1970's Algerian Proto-Raï Underground

He aquí música Raï (directamente desde Argelia) que nunca habías escuchado antes. En los comienzos de la década del 70, una nueva camada de cantantes y músicos operaban en la costa noroeste del país, siendo pioneros (sin la intención de serlo) de un sonido que eventualmente alcanzaría un estatus global, al final de la década. Como sea, aún en nuestros días, sus nombres son relativamente desconocidos fuera de las fronteras de Argelia. Este momento crucial y definitorio en el desarrollo del Raï es criminalmente ignorado y menospreciado por los historiadores de la música, así como por los fans de éste género. 

Debido a la censura y el fuerte control que ejercía el gobierno sobre la difusión de la música, el estilo de la lírica así como la escena Raï, fueron relegados a la escena underground así como borrados tajantemente de los medios de comunicación. Posteriormente y poco a poco, una pequeña escena Raï fue emergiendo en los cabarets de los alrededores de la zona costera de Wahran. Este periodo atestiguó el nacimiento de artistas como el Groupe El Azhar (Grupo Las Flores) y Messaoud Bellemou, quien cómodamente puede ser considerado como el padrino del sonido moderno Raï. Su grupo, L'Orchestre Bellemou, re escribió el antiquísimo legado de siglos atrás, usando instrumentos modernos de entre los que destaca particularmente la trompeta, elemento que conformaría la espina dorsal del naciente estilo Wahrani. Reinterpretando las melodías del gasba en la trompeta, Bellemou apoyó a cantantes como Boutaiba Sghir y Sheikh Benfissa, quienes cargaban con toda la tradición de sus antepasados, cantando sobre las preocupaciones y problemas del cotidiano, así como al amor, el alcohol o simplemente, la nueva moda de poseer un automóvil. 

Hacia finales de la década del 70, Cheb Zergui trajo un par de nuevos ingredientes que darían a la música, un nuevo horizonte expresivo: la guitarra eléctrica junto con el pedal wah-wah. Afortunadamente, los últimos años de la década del 60 fueron testigos del insistente desarrollo de la industria del vinyl en Argelia. Esta nueva industria permitiría a muchos pequeños artistas (incluidos los de la escena Wahrani) grabar y distribuir los sencillos que documentan su repertorio. La presente compilación es una selección de esta escena proto-Raï, a través de una selección de viejos vinilos 45 RPM. Este LP fue limitado a una producción de 1500 copias, por lo que eso lo convierte instantáneamente en otra joya de la música del mundo, rescatada gracias al poder de las nuevas tecnologías. Hoy esta asombrosa música está a tu alcance... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

La hora DADA - SpiritualJazz

Como todos los martes a las 18:00 hrs. MEX, tu programa de variedá musical favorito: La hora DADA del elAle, llegó con un a fina selección de los ritmos más espirituales del jazz. Através de sus 60 monitos, música variada del género, representado por grandes chamanes como: East New York Ensemble de Music, Malik Yaqub, Shankar Jaikishan, Rais Khan, T.K. Ramamoorthy y Michael White. Tira lejos todos tus prejuicios y connotaciones que este programa buscará redimir nuestros espíritus guiándonos a la emancipación del alma por medio de los seres intangibles que habitan la música. Recuerda que tienes una cita todos los martes en CoctelRadio para seguir saciando nuestros sedientos oídos, con música poco escuchada en el espectro radiofónico tradicional... John Coltrane estuvo aquí.

La hora DADA - SpiritualJazz

Pakistan Fok & Pop Instrumentals 1966-76

Porque la vida es bella y mi amiga Carol Martínez pidió atentamente al loquero, una entrega dedicada a la música tradicional de Pakistán. Me veo en la penosa situación de decirle que este disquillo fue lo más locochón que llegué a encontrar en la red. Sé que el presente material no se ubica dentro de los estándares de la música tradicional de este país, sin embargo representa una cautivante fusión, entre los ritmos populares de Pakistán con la música occidental. Espero Carol quede satisfecha al igual que ustedes así como prontamente, tener algún buen material para compartirles... dentro de éste rubro.

Situado entre Afganistán, India e Irán, la colisión de diversas influencias culturales, dio a luz a una música que no se parece en nada a cualquier cosa que hayas escuchado antes, en cualquier otro rincón del planeta. Hacia finales de la década del 60, antes de que comenzaran las restricciones hacia la expresión musical de aquellas bandas que tocaban poperos covers gabachos e ingleses (ritmos sumamente populares en la escena nocturna de las fiestas privadas en Karachi), la moda del cabello largo se extendía entre los jóvenes y el uso del hashis como sustancia psicoactiva era común en todas las universidades a lo largo del territorio pakistaní. Pronto, cientos de hippies provenientes tanto de Norteamérica como de Europa, comenzaron a llegar a Karachi, Lahore y Peshawar. Muy pocas de las bandas que se formaron durante este período, poseen una grabación, por tal motivo la presente entrega representa una joya que guarda humildemente, el legado de la música pakistaní en la era de la psicodelia.

La revolución musical de Pakistan acabó en junio de 1977, después de la coup d'état y el establecimiento de un estado puramente islámico gobernado por la ley Sharia. Esto marcó el fin de los "swinging 70's", por lo que los clubs nocturnos y las bebidas alcohólicas fueron prohibidas en todos los rincones del país. El cine y la televisión, así como la música popular, se vieron bajo el constante yugo de la censura estatal, por tanto, muchos de los músicos y artistas del momento tuvieron que emigrar a América e Inglaterra.

Gastando gran parte de la década pasada ensamblando esta obra maestra, Stuart Ellis de Radiodiffusion Internasionaal compiló este deschavetado set de instrumentales pakistaníes del periodo comprendido entre 1966-1976. Todo esta aquí: rock & roll beat, surf, folk tradicional mezclado con pop, música de película, guitarras eléctricas, hipnóticos solos de órgano y sítara, brillantes percusiones y arreglos realizados por las bandas más groovys de la época: The Panthers, The Mods, The Bugs, The Blue Birds, The Abstracts, The Aay Jays, The fore Thoughts, Nisar Bazmi y Sohail Rana.

La calidad de sonido es inigualable pues fue extraído directamente de un LP original EMI sobre los maestros de la psicodelia pakistaní y llega hasta ti... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

La hora DADA - Klezmer

He aquí la pasada edición de tu programa de variedá musical farorito: La hora DADA del elAle, correspondiente al martes 23 de noviembre del año 2011. En esta ocasión dedicamos nuestros 60 monitos a la música de los judíos askenazís, mejor conocida como Klezmer. Ritmo que se expandió recientemente por todo el mundo gracias a la globalización y que se ha mezclado sorprendentemente, con los géneros locales de cada comunidad. Sin duda un ritmo muy versátil que ha acompañado la diáspora judía y que se presenta desde sus manifestaciones más esenciales, hasta las mezclas que se realizan hoy en día... te van a sorprender. Sintoniza cada martes CoctelRadio en punto de las 18:00 hrs MEX para viajar por algún género de la música mundial, durante 60 monitos de selecta música y buen humor. Sintoniza y a bailar como rabinos.

La hora DADA - Klezmer

Annick Nozati - Le Peau des Anges

Por fin... finalmente después de meses intentando subir este CONSTERNANTE material (que si no fuera por mi amiga Larissa Rojas, jamás lo habría conseguido), encontré el modo de poner al alcance de todos ustedes, el último álbum!20de la monstruosa cantante francesa avant-garde: Annick Nozati. 

Comenzó su carrera como come`iante con la troupe "Grain d'Orange", sin embargo, no es hasta que recibió la invitación de Jacques Lasry para participar en Structures Sonores Baschet, que Nozati comienza acercarse a la música por la vía de la improvisación vocal. Interesada en múltiples tópicos como la música contemporánea (colaborando notablemente con Georges Aperghis y Jean-Yves Bosseur), la poesía, el arte plástico, la danza y el teatro musical (junto con Jorge Lavelli, René de Obaldia y Antoine Vitez). Annick fue una artista en toda la extensión de la palabra.

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A finales de los años 60, entra en contacto con el universo del jazz para que en 1975 ella se oriente definitiva y exclusivamenpe al canto improvisado, integrando un duo con Joëlle Léandre al que posteriormente se integraría Irène Schweizer.

Interesada en la musicología y la musicoterapia, incursiona en la enseñanza participativa a través de talleres formativos que pueden encontrarse publicados por ahí.

La música contenida en Le Peau des Anges revela la infancia difícil y sinuosa por la que atravesó, padeciendo una grave enbermedad intestinal, se vio obligada a pasar largos periodos de convalecencia en el hospital, por lo que tuvo una escolaridad poco regular que repercutió sorprendentemente en una madurez precoz, misma que le permitió entrar en la escuela de trabajo social. Así ejerció su oficio para años después comenzar su carrera en el teatro y el trabajo de la voz. Contrario a la información difundida en un artículo de la revista Jazz à l'époque sobre la muerte de Annick Nozati, ella no se suicidó el día 7 de 7 de julio del año 2000, día de su muerte.

Es un verdadero placer para mi, compartir esta oscura y cautivante música, espero que la disfruten y consigan aderezar esos escabrosos momentos de la vida, con algo que inspire su espíritu y los haga SENTIR.

Sister Nancy - One Two

No es posible que después de todo este tiempo, apenas haya habido una entrada dedicada al Reggae (ritmo que particularmente disfruto en demasía): aquel viejo álbum de Clancy Eccles ya está muy escuchado por la banda asidua al diván del loquero. Por eso y para reivindicarnos con los seguidores de este noble género, ahí les va una entrega muy especial que me descargué hace unos meses de La Ruta del Mal. 

Nacida con el nombre de Nancy Russell en el Kingston jamaicano de 1962, siendo la décimo tercera de 15 hermanas, fue también hermana de Robert Russell, alias Brigadier Jerry. Conocida como la pionera que abrió el camino para las mujeres en el terreno de los selectah, Nancy fue la primer Dj de la isla y se ha llegado a consagrar en la escena durante más de 30 años. Su himno "Bam Bam" se ha escuchado por todos los rincones del mundo, mientras que su figura a seguido innovando en la competitiva escena toaster  a través de la historia del reggae. A los 15 comenzó a pinchar discos con algunos soundsystems como Chalice, Black Star y Stereophonic Sound Systems. Nancy fue la primer Dj en un ambiente dominado por los hombres, y vaya que lo hace bien. Sus actuación en el festival Reggae Sunsplash en 1982, la catapultaría al mundo. De ahí, Nancy jamás voltearía para mirar hacia atrás. Su raza y descarada manera de hacer el toasting, dotó su estilo de una fuerza singular (a pesar de los boooos y los comentarios machistas de muchos hombres) la cual la ayudaría a impulsar su carrera en el futuro. La presencia femenina de Sister Nancy abriría la puerta para otras mujeres Dj's que se pusieron las pilas y le entraron al juego del Reggae. Sin la ayuda de ella, figuras como Sister Carol, Patra y muchas más, simplemente jamás habrían emergido. 

El presente álbum fue grabado en vivo en el Skateland Roller Disco de Halfway Tree, Kingston, Jamaica, en el año de 1982. Esta es la segunda parte de "el albúm de Reggae más auténtico que jamás haya existido" de acuerdo con el autor de Reggae Bloodlines, el señor Stephen Davis. Nancy fue contactada para tocar al lado de figuras como Lee Van Cliff, Yellowman, Michigan and Smiley, Sassafrass, Principal y Eek-A-Mouse entre muchos otros. Para su humilde servidor, este es un disco plagado de reggae crudo, poderoso y sexy... el cual no debe faltar en tu colección. Cortesía de tu blog de predilección... sigan escarbando.

Ethiopiques Vol. 22 - Alèmayèhu Eshèté

Y con esta entrega vamos a darle descanso por un tiempo al género EthioJazz pues seguramente sus oídos piden otros ritmos que rompan con la hegemonía que ha imperado en tu blog de predilección, en estos recientes días.

Alèmayèhu Eshèté es un popular músico y cantante de jazz activo desde la década del 60, su rasposa voz nacida del fondo de su corazón así como el sentimiento que imprime al cantar, le ha valido ganar una gran cantidad de sobre nombres basados en la soulera manera funky con la que ha dirigido su carrera dentro del ethnic-jazz, a través de los años. Algunos de los más famosos: "James Brown etíope" y "Elvis de Abisinia". Poseedor de una deslumbrante presencia escénica, ágil caja de voces e inconfundible carisma, es uno de los show-man africanos más descarados e irreverentes, que pareciera haber sido extraído directamente de la cinta "Saturday Night Fever".  Su sello característico se mueve dentro del rango que va de la fusión más concurrida del funk-jazz hasta pequeños y elocuentes ensambles de aliento a metal. La presente colección nos muestra a través de sus 18 temas, a un activo Alèmayèhu que a sus 60 años aún sigue representando toda la explosión de esa mítica época de la década del 60, cuando solía encender la locura de las noches más salvajes de la ciudad capital Addis Abeba. 

Este es el volumen 22 (sí amiguitos, hay por lo menos otras 21 entregas dedicadas al EthioJazz por parte de la pandilla de Budamusique) de la serie Ethiopiques, colección AMPLIAMENTE recomendada para todos aquellos que entraron en trance con estos exóticos y altamente corrosivos ritmos de Abisina. Ethiopiques está disponible en la red así que googléenle chirito pues hay varias joyitas que esperan ansiosamente saciar sus sedientos oídos… particularmente recomendables son las dedicadas a otras figuras del movimiento jazzero etíope, como la leyenda Getatchew Mekurya y el maestraxo Mahmoud Ahmed.

Mulatu Astatqe - Mulatu of Ethiopia

Seguimos clavados en el tema del EthioJazz, así que vámonos tendidos con dos entregas URGENTES para la más próxima edición de Síncope, la cual tendrá una sección dedicada exclusivamente al movimiento jazzero etíope, con tres excelentes recomendaciones (las cuales, los seguidores de su blog de predilección ya conocerán). He aquí la primera de ellas.

Una vez más Mulatu Astatqe llega hasta nosotros directamente de Etiopía, con un nuevo y diferente sonido. Imbricado en sus fantásticos arreglos musicales, la hermosísima escala etíope de cinco tonos y aquellos sonidos afro americanos soulero-jazzeros que tanto nos gustan.

Las melodías y ritmos, pulsarán profundamente tu mente durante horas... aún cuando hayas terminado de escuchar el disco. Este es el tipo de álbumes que no podrás escuchar una sola vez ya que resulta muy adictivo, (musicalmente hablando) cuando el volumen está puesto al máximo.

Este es uno de los trabajos más creativos y únicos de este cautivante compositor, arreglista y excelente instrumentalista. He aquí un hombre de la nueva África que cambiara la cara de la música, un hombre destinado a trascender en la historia de la música del mundo. Toda Etiopía puede sentirse orgullosa de Mulatu Astatqe.

Mulatu of Ethiopia es uno de los álbumes que Astatqe grabó para las aerolineas etíopes, habrá que buscar el otro eslabón de la cadena... mientras ahí les dejo esta joyita, para que se deleiten con los hipnóticos grooves de este narcótico músico.

La hora DADA - EthioJazz/SaharaBlues

Tu programa de variedá musical favorito está de vuelta, con una emisión especial de una hora DADA al EthioJazz y el SaharaBlues. A través de 60 monitos recorreremos algunos de los principales exponentes de este maravilloso género: Mulatu Astatqe, Hailu Mergia, The Wailas, Salah Ragab y Abebe H. Micael. Así como nos adentraremos en las profundidades del desierto sahariano de la mano de la caravana liderada por Tinariwen, Terakaft y la leyenda Ali Farka Toure. Ya lo sabes, todos los martes sintoniza CoctelRadio en punto de las 18:00 hrs. (MEX) para disfrutar de una selección musical sui-generis y siempre cambiante. Porque la vida es demasiado corta como para estar escuchando siempre lo mismo y  como no hay música mala, tan sólo diferente... La hora DADA, es un oasis dentro del cuadrante cibernético que intenta rescatar aquellos géneros que (gracias a la vida) por angas o mangas, no han pegado en el mainstream de la música comercial, sin que eso signifique que son de mala calidad. Además las clásicas secciones del QuéHacer Cultural y la Guíadelcazacocteles, le dan el toque de menta al asunto.

La hora DADA - EthioJazz/SaharaBlues

The Haunted House - 20 Tracks to Make You Jump in the Night

Finalmente cerremos las entregas dedicadas a las festividades de Día de Muertos y Jalogüin con este ultrarraro álbum que habías estado esperando. Si ya estas harto de todos esos discos jalogüinescos llenos de escabrosos efectos de sonido, ruidos embrujados y "música de fiesta", esta compilación es para ti. A lo largo de mi incansable búsqueda de fabulosos ritmos mortuorios, me di cuenta que si tienes un CD de Halloween, ya los tienes todos pues en su mayoría son el mismo bonche de rolas, mezcladas de maneras diferentes. Esto no quiere decir que esté en contra de rolas como "The Purple People Eater", "Ghostbusters" o "The Adams Family" ya que se han ganado un lugar en el gusto de la banda, sin embargo no puedo evitar sentir que debe haber algo más dentro del género de la música de Halloween.

Para quienes se inicien en estas movidas, esto es la música lucida, fanfarrona, jazzy, fresca y llamativa de las fiestas mortuorias para niños y adultos. Diferentes a muchas de las rolas que se escuchan hoy en día, éstas cuentan un tipo de historia, una historia que querrás acompañar cantando. Son lindas y chistosas pero no tontas ni infantiles. Muchas de ellas parecieran venir del fondo de un oscuro callejón apenas iluminado por el farol de la calle, mientras alguna misteriosa presencia de sombrero, golpetea con su pezuña el piso al ritmo de estas jocosas letras... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Dead & Gone - Trauermärsche - Funeral Marches

Para seguir en sintonía con las festividades del momento y cortesía del sello alemán Trikont, llega a tu blog de predilección, el primero de dos volúmenes dedicados a la música mortuoria y a la muerte. En este caso se trata de marchas fúnebres y música para funerales. Los productores de estas colecciones han ensamblado música de todos los rincones del globo, para ilustrar las múltiples maneras en las que las procesiones fúnebres son llevadas a cabo, mismas que también son efectuadas en un ambiente alejado de la seriedad académica. Un sentido del humor subyace en el trabajo de Trikont y esta no es la excepción. 

Desde su europeo hogar hasta Ghana y de New Orleans al Reino Unido, la pandilla de Trikont reúne diferentes ejemplos (todos ellos de gran calidad) musicales que develan aspectos culturales locales, tradiciones milenarias, cosmovisiones y diversas maneras de concebir la vida a través del acto sagrado de morir.

Lamentablemente vivimos tiempos oscuros donde la muerte ha perdido su carácter sagrado. Es verdad que ésta convive de cerca con nosotros todos los días, sin embargo se nos ha familiarizado con sus manifestaciones más violentas, cruentas y desalmadas. La festividad mexicana del Día de Muertos es una tradición prehispánica que ha sido transformada con el tiempo, para resultar en un homenaje a todos aquellos que han partido, un intento para seguir compartiendo en vida con los que ya no están. Por eso, qué mejor manera de hacerlo que con música y alegría, que alimenten el espíritu y nos animen a seguir viviendo. 

Quintron - The Frog Tape

Y bueno, como el Día de Muertos está a la vuelta de la semana, quisiera compensar la falta de consistencia en estos últimos meses con una de los más distinguidos performanceses de los alrededores, una asombrosa fiesta de raritos que te dejará estupefacto con su sello característico, mitad científico loco, mitad demente rockero.

Saludando desde New Orleans, Quintron es mejor conocido como el más grande, más excitante, más lleno de espíritu, más rock and rollero one-man-band que el mundo entero jamás haya visto. Sus giras al lado del show de marionetas de Miss Pussycat and her Flossie & The Unicorns, son eventos altamente esperados por los que la fanaticada suele anticipar sus entradas desde meses antes. Al mismo tiempo sus infomerciales para los artículos electrónicos "Drum Buddy" le han valido legiones y legiones de nuevos fans dentro del circuito rockero y electrónico. 

The Frog Tape es en su conjunto, una experiencia sumamente diferente. Lo que empieza como una cinta de práctica para Quintron (del tipo que normalmente son borradas, perdidas o arrojadas al basurero) lentamente se convierte en el álbum perfecto para tu fiesta de Jalogüin (Halloween). Un escabroso órgano e instrumentales a cargo de drum buddy, incluyen temas como "Bride of Frankenstein", "Stray Cat Strut", el subido de tono "Scary Office" y un espeluznante cover de aquel viejo tema de Johnny Mathis titulado "No Love". Ya para cerrar el álbum, el lado B esta completamente dedicado a la vida salvaje, sapos cantores, nada de sintetizadores, representando la extraña y desentonada sinfonía del canto nocturno... sonidos que sólo en tus viajes al campo has podido escuchar. Grabación en parte casa encantada, parte trabajo de campo. Si lo que buscas es asustar gente en estas noches de Día de Muertos, o simplemente vagar con tus cuates en busca de algo que los perturbe...  The Frog Tape es para ti... cortesía de tu blog de predilección, no se la Jalogüin que es Día de Muertos. 

Zazou/Bikaye/Cy1 - Noir et Blanc

Empapado en poliritmos sintéticos, el Noir et Blanc de Zazou/Bikaye/Cy1 establece el tono para las nuevas fusiones de la música africana con las claves electrónicas del progresivo. Un torrido encuentro entre el cantante congolés Bony Bikaye, el compositor argelino naturalizado francés Hector Zazou y un científico loco que se hace llamar Cy1. La hipnótica mezcla de sintetizadores análogos Cy1 directamente provenientes de viejas computadoras análogas del tamaño de una pared, constituyen el armazón para que Zazou mezcle con las vocalizaciones tradicionales de Bikaye. El resultado es un sonido hiper futurista que raya en el maximalismo africano, por supuesto que aquellos rarísimos y extravagantes sintetizadores geeks con los que estamos trabajando, hacen un equipo ideal con las leyendas de la música congolesa, produciendo una jungla de sonidos y ritmos post-modernos. El álbum esta catalogado como una especie de electro-experimentalismo progresivo... el mismo que hace a los chicos, mojar sus pantalones.

Noir et Blanc es una colaboración altamente disfrutable entre Hector Zazou y Bony Bikaye, un temprano e inspirador matrimonio entre la música del África Central con el post-punk funk. Zazou, quien ha tenido la oportunidad de coquetear de cerca con la fama y la crema y nata del rock (trabajando con cantantes de la talla de Björk y Susanne Vega), armó una pequeña banda con Fred Frith y Mar Hollander, todos enjambrados bajo sus propias manipulaciones electrónicas y, presumiblemente, un poquito de pos producción. La música es compleja e irresistiblemente funky, evitando los clichés que suelen caer sobre los experimentos musicales de este periodo (1983), aún la "drum machine". Cada una de los temas es sumamente atractivo, desde el incesante comienzo "M'Pasi Ya M'Pamba" hasta el sincero sonido de "Munipe Wa Kati", pasando por los mecanismos facturados de "Keba". Sin duda un álbum esencial para todos aquellos amantes de la música africana y los bajos sintetizadores... cortesía de tu blog de predilección.

Amparo Ochoa - Canta Trova y Algo Más de Yucatán

Como ya saben, elAle está tomando un curso de apreciación de la música del mundo con los camaradas de la Fonoteca Nacional. Y como hemos llegado al módulo sobre el crisol musical que representa México, es momento de dedicarle una entrega a la música mexicana.

Una de mis cantantes favoritas es la sinaloense Amparo Ochoa, una voz a quien usualmente se le asocia con el movimiento de la Nueva Canción, así como con los movimientos de reivindicación latinoamericana. Amparo Ochoa usaba la música para hablar y defender temas sociales de México y el mundo, su formación como maestra le permitió llevar la música a las aulas y en ocasiones, utilizarla como herramienta pedagógica para transmitir conocimientos. Dicha labor le fue reconocida en un escrito emitido por el Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación (Elba Esther Gordillo, mingas a tu chadre) titulado "Diez para los Maestros", donde se hace alusión precisamente a su labor como docente, sin perder el espíritu de cantante.

Al parecer 1969, aquel legendario año donde la música mundial se revolucionaría a niveles exorbitantes, también influyó en la carrera de Amparo. En ese año viaja a la Ciudad de México y participa en el Concurso de Aficionados de la XEW, llevándose el primer lugar. Esto le motivo a seguir su carrera musical, inscribiéndose en la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

La música de Amparo Ochoa siempre se caracterizó por enaltecer la vida, apoyar la lucha de los trabajadores, las causas sociales, el movimiento obrero y estudiantil, así como por erradicar las diferencias sociales. La mayoría de su trabajo tiene estos tintes, sin embargo el álbum que presentamos a continuación, no. Esta es la verdadera labor de un artista comprometido con la sociedad, un ejemplo para todos aquellos que están en el medio y los que no, también. ¡Que el arte y la cultura sean motor de reflexión y cambio en la sociedad!.

El presente álbum contiene temas de la tradición trovadora yucateca, un híbrido musical producto del mestizaje entre el bambuco colombiano, el bolero cubano y la clave africana. El conjunto tradicional de la trova yucateca es el trío, por tanto, en este disco Amparo se hace acompañar por los Hermanos Magaña. En cuanto a la poesía, se distingue por su delicadeza y buen gusto, así como una marcada tendencia a tratar temática romántica en la mayoría de sus letras. Muy pocas canciones hablan de fracasos o desepciones amorosas, más bien se busca enaltecer al amor y a la mujer. A diferencia de la poesía de otros géneros vernáculos mexicanos, en la trova yucateca las letras permanecen alejadas de la procacidad, vehemencia, aventuras y hazañas. El marco musical que las arropa representa una amalgama ideal para transmitir su bello mensaje. Los músicos y compositores yucatecos, siempre se han distinguido por saber encontrar las notas, la cadencia y el fraseo adecuados para los poemas que son puestos en sus manos y que sin duda, reflejan fielmente el alma de Yucatán.

El presente material es sumamente significativo para mi, ya que en mis lejanos años de infancia, recuerdo a mi madre cantando con su dulce voz, algunas de las melodías incluidas en este álbum... ¡vaya que la música mueve recuerdos y suaviza corazones!. Ojalá disfruten de esta entrega plagada de romanticismo, con una de las voces más guerreras y combativas de la música mexicana... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Información tomada de la Wickipedia.

Street Organ "The Arab" - Barrel Organ in Hi-Fi

Esta gloriosa colección de ruidos introducen a América el sonido de uno de las más célebres atracciones de Holanda, y la música de uno de los órganos callejeros más grandes del mundo, el deslumbrante instrumento conocido como "The Arab". En Amsterdam, este órgano, y muchos parecidos, se encargan de proporcionar enorme placer a los oídos de viejos y jóvenes, así como mantener sonando el aire con música ventosa. En América, el tipo de música más parecido a este es el que se asocia con carruseles, vendedores de helado, juegos de rondas y luminosas atracciones en vivo, cuya música no tiene pretenciones más allá que ser una forma de entretenimiento.

Y justamente entretenimiento es lo que provee, sin importar donde sea escuchado. En su propio hogar en Amsterdam, una atmósfera especial se añade a este peculiar encanto. La ciudad se yergue como una araña en su red sobre un violento rápido, donde el aire es permeado con el penetrante salitre del mar del norte. La gente es abierta de corazón, chistosa y romántica, orgullosa de preservar sus viejas tradiciones así como la arquitectura de sus edificios que datan del siglo XVII, sus estrechas calles, abundantes puentes, sinuosos canales y aquella suprema constricción indígena, el órgano callejero.

Los órganos son puestos en marcha por enérgicos hombres quienes los empujan de arriba a abajo por las calles y puentes de Amsterdam. En ciertos días, es posible encontrar el órgano instalado en el mismo punto en el que se le vió por última vez, rodeado de una multitud de personas quienes se reúnen a disfrutar de su vasto repertorio de waltzes y marchas así como los grandes éxitos de ayer y siempre. El programa interpretado por The Arab en este material, es un ejemplo de la música que se escucha en las calles de Amsterdam, en cualquier época del año, bajo cualquier clima. En el dialecto de Amsterdam, un órgano de barril es conocido como pierement, a continuación se muestra una opinión de un vecino sobre dicho instrumento: "Si los pierements se pusieran en huelga por una semana, rehusando salir de su morada y cesando de llenar el aire citadino con lúcidos sonidos, mismos que acompañan el canto de incontable número de transeuntes, los residentes de Amsterdam formarían una gran multitud que se preguntaría ansiosamente qué está pasando". Lo anterior explica por qué los pierment juegan un rol vital en la vida cotidiana: un enorme y pesado gabinete, decorado llamativamente que produce un ruidero, organizado pero ruidoso, agradable e irresistible ritmo vigoroso que rompe con la frialdad, rectitud y organización desmedida del cotidiano. 

He aquí The Arab, presentando un programa de notorio virtuosismo, demostrando cada una de sus movidas capacidades. De las cuales resaltan Mister Sandman y Oh Baby Mine. He aquí un nostálgico material que conjura por un mundo en donde todo es brillante y felíz, donde los espíritus y los corazones son elevados y donde los chicos se deleitan con las texturas sonoras reveladas por esta alegre música... tu blog de predilección, está de vuelta.

La hora DADA - Erótica

Así es mis queridos colegas, su programa favorito de variedá musical: La hora DADA del elAle, está de regreso, después de varias semanas de no reportar presencia en tu blog de predilección. Y vaya que regresa con todo pues esta edición está dedicada a la música más cachonda, erótico y sexy que me he encontrado por ahí. Disfruta temas del soundtrack de Garganta Profunda, FunkyPornoGroove, Morphine, Malik Yaqub, Tom Scott & the L.A. Express, Cleo Jones, Philippe Nicaud, Rita, Árrigo Bernabé y muchos más. Te vas a venir corriendo desde donde estés, presta atención y échate una manita que esto es la pura gozadera. Recuerda sintonizar CoctelRadio todos los martes de 18:00 a 19:00 hrs. (MEX) para explorar alguna de las múltiples maneras que existen de sentir la música... porque la vida es demasiado corta para escuchar siempre lo mismo. Hagan el amor y no la guerra y recuerden que la pasión dura, hasta que dura... dura.

La hora DADA - Erótica

Harmonites International Steel Orchestra - Men in Harmonites

Seguimos clavados en la música caribeña: crisol de ritmos y colores. Esta entrega va dedicada a el ritmo de las steelbands, agrupaciones multitudinarias que conjuntan a gran cantidad de músicos virtuosos y que son responsables del ritmo durante los coloridos carnavales caribeños.

Existen muy pocas grabaciones de la Harmonites International Steel Orchestra. Según un portal de internet sobre el Carnaval de Antigua, el presente álbum es uno de los más famosos y célebres de la agrupación. Este Lp fue producido y distribuido en Jamaica, lo cual nos hace considerar por que la música ha sido empapada con ecos y algunos tracks contienen pitidos electrónicos que entran y salen de la mezcla sin avisar. La primer rola es la única que fue escrita por el líder de la agrupación: Fitzroy "Champ" Martin. El resto son interpretaciones de música clásica, algunas melodías reggae y aquel famoso rag titulado "The Entertainer". Esta particular steelband fue fundada a finales de la década de 1960, manteniéndose activa hasta nuestros días.

Hay en el mundo muchas steelbands pero ninguna como los Harmonites Steel International. La orquesta fue catapultada a la cima de la música de Antigua, después de alcanzar un alto nivel dentro del circuito gracias a su insaciable actitud, siempre inquieta, cambiante y emprendedora, les permitió desarrollar diferentes maneras de transmitir sus ideas. Versatilidad es la llave del continuo éxito de la orquesta, la facilidad con la que la agrupación transita de los viejos oldies golden music hacia el reggae o incluso el calypso y la tensión del waltz vienés, hablan por sí misma. Deseo de todo corazón que te relajes en tu asiento y disfrutes la verdadera música caribeña... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Calypsoul 70: Caribbean Soul & Caribbean Crossover 1969-1979

Y como seguimos clavados en la onda de los ritmos caribeños, despidamos el mes de septiembre con una buenérrima compilación de temas originarios de los años setenta que se mueven cercanos a los terrenos del soul, funk y calypso. A pesar de que casi todas las canciones son cantadas en inglés, tienen un fuerte toque latino que te pondrá a a menear la patita. 

La vida musical en el Caribe ha sido resultado de una larga y compleja mezcla de identidades. El negro, descendiente de los antiguos esclavos pobladores de las islas, han continuado contando y cantando sus historias, muchas veces enfrentando la censura y persecución de los europeos, quienes han intentado borrar su legado. Por otro lado, la herencia del colonialismo y la innegable realidad que representan los grandes aportes económicos del turismo; provocaron que decenas de miles de chinos e hindúes emigraran a la región tras la abolición de la esclavitud.

Calypsoul 70 nos muestra esa hirviente olla a través de las gafas funky de los años 70, con una inspirada selección de amplio rango: Cuba, Trinidad & Tobago, Bahamas, Martinica, Sn. Vicente & Granada, Sn Martín, Sta. Lucía, Jamaica, Dominica, Antigua y Guayana integran este carnavalezco conjunto que te electrizará con temas variopintos que abarcan desde el disco al garage rock, pasando por el reggae, gospel, hard funk y soul jazz... ritmos pegajosos que pueden ser entendidos desde un contexto histórico musical, que los ubique como las muestras más contundentes de diversidad y mestizaje cultural,  de la segunda mitad del siglo XX. Sin duda habrá mucho que concluir tras escuchar este álbum... va má allá de "shutting up and getting down". Cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Wilmoth Houdini - Poor But Ambitious

Como su servilleta elAle está tomando un curso de apreciación de la música del mundo, con los colegas de la Fonoteca Nacional. Esta entrega está dedicada a ellos, como una tarea para acreditar el módulo concerniente a la música del continente americano. Por eso, escogí uno de mis ritmos americanos favoritos: el Calypso.

De Puerto España, Trinidad y Tobago (cuna calypsoniana) para el mundo, este prominente compositor llamado Frederick Wilmoth Hendricks mejor conocido como Wilmoth Houdini. Comenzó su carrera musical a los 21 años como miembro de los African Millionaires, una enorme agrupación de carnaval integrada por cerca de 25 miembros. Después de trabajar una temporada en los barcos cargueros, llega a Nueva York en algún momento de 1927, donde se establece y comienza a forjar un amplio legado musical, mismo que llega a más de un centenar de álbumes 78 RPM entre 1928 y 1940. Algunas de estas producciones contenían temas que alcanzarían los primeros lugares de las listas de popularidad, como "He Had it Coming" que fuera resignificado a partir del dueto Ella Fitzgerald/Louis Jordan bajo el titulo "Stone Dead in the Market". 

Habiendo ganado bastante reconocimiento entre el público gabacho, Houdini no perdió tiempo en organizar festivales y conciertos de calypso en los alrededores de Nueva York, por lo que rápidamente se convirtió en una respetable figura entre la comunidad caribeña local. Después de emigrar a Nueva York, fue objeto recurrente de burlas y calumnias por los trinitarios que permanecían en su tierra natal, quienes sostenían que Houdini había robado ideas de viejos temas calypso, para capitalizarlas en los E.U. Lo anterior puede apreciarse en un gran número de temas de principios y mediados de la década del 30, principalmente provenientes de Roaring Lion y Atilla the Hun, quienes de igual forma, grababan en Nueva York en esa época. Acusaciones que orillaron a Houdini a ser refutadas con su "Declaration of War". Durante el comienzo de la década de 1950 acostumbraba tocar en el Caribbean Club de la Séptima Avenida, junto con su único gran rival: The Duke of Iron, otro nativo trinitario por cierto. El tema titulado "Uncle Joe", aunque no melódicamente original, influenció fuertemente la psyche gabacha, llegando a marcar a figuras de la talla de Dizzie Gilespie, Ella fitzgerald, Lord Mouse & the Kalypso Katz, Hazmat Modine, Bob Brozman y C.W. Stoneking, tan sólo por mencionar algunos. También fue fuente de inspiración para varias generaciones de artistas alrededor del mundo, como ejemplo, el tema "Black But Sweet" ha sido covereado por Mighty Dub Kats ("Son Of Wilmot"), Sabres of Paradise ("Wilmot"), Shantel ("Bucovina") y Elefetheria Arvanitaki ("Den milo ghia mia nychta ego"). Houdini murió el 6 de agosto de 1977 en la ciudad de Nueva York, lugar donde vivió gran parte de su vida.

Probablemente mi calypsoniano favorito. Houdini posee una sorprendente fluides que lo mantiene 100% auténtico frente a otras figuras. La candente orquesta que lo apoya en la gran mayoría de los tracks es la Gerald Clarke's Night Owls. Un poco más de los mejores calypsonianos primigenios y todo el mundo contento... cortesía de tu blog de predilección y ese nocturno búho de santísimos trinos.

Kent Gomez & his Orchestra - My Ghetto

Después de una semana harto ajetreada, tu blog de predilección regresa a las andadas con este imprescindible del Latin Jazz. La parte hispana de Harlem ha sido lugar de nacimiento y fuente de inspiración para muchos de los grandes artistas.Ya se ha hablado mucho sobre el legendario boricua Kent Gomez, uno de los más excitantes pianistas desde que los hermanos Palmieri aparecieran en la escena. "My Ghetto" es un álbum de colección cargado de fuertes descargas bailables. Una composición propia donde se repasan pasajes de música clásica, con una excelente orquesta muy a la onda de Richie Ray. Posee varias figuras en el piano cuya elegancia ha sido bien concebida.

Gómez abandona Nueva York para establecerse en el sur de Florida, debido a todos los merequetengues en los que se envolvió por allá. Aunque el pianista nunca se dedicó exclusivamente a la música, estaba muy al tanto de lo que pasaba en el ambiente. Esta alocada descarga de sabor latino llega hasta tus oídos cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Bossa 70 - Bossa 70

Tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero, se honra en anunciar la siguiente entrega dedicada a uno de los íconos de la salsa/boogaloo/funk peruana, el maestraxo Otto de Rojas, tecladista legendario que se catapultara gracias al "Trampolín a la Fama", programa de T.V. en el que trabajara durante muchos años al lado de Augusto Ferrando. Mayores antecedentes de cada músico no hay, sin embargo la Bossa 70 es digna representante de uno de los estilos más prolíficos allá por los nacientes y lejanos años de 1970 en latinoamérica. La vanguardia tropicalista en Brasil había esparcido las semillas de la fresca y sincopada manera de interpretar los ritmos rockeros y funkeiros gabachos, por toda sudamérica. Perú no fue la excepción y encontró la receta precisa para fusionar la temática jazzera con algo de soul y psicodelia vanguardista directamente venida de San Francisco.

Impecable producción con buenos arreglos vocales y un gutarrista de primera con un estilo muy Santanero. Otto de Rojas saltó a la fama después de haber remplazado a Pepe Morelli, en la parte musical del mencionado programa. Con el tiempo, Otto fue ganando confianza y apareciendo constantemente en diversos programas cómico-musicales, así como grabando con otras agrupaciones. El gigantezco tecladista falleció tras arrojarse desde el doceavo piso de un edificio de departamentos. Esta entrega significa apenas un pequeño homenaje, a este enorme músico del Perú, cuyo legado sigue disfrutándose en las fiestas de la juventud de estos días. 

Música de Carnaval - Fiestas Indígenas

No hay mejor manera de celebrar la víspera del Grito de Independencia, que con una entrega dedicada a la música de nuestros pueblos originarios. México es un crisol de músicas, un paraíso terrenal de climas sumamente diversos. Esto se refleja en su amplia y rica tradición cultural, legado de nuestros pueblos ancestrales que desafortunadamente pocos conocen y muchos de nosotros ignoramos. Es hora de ir acercándonos a nuestros ancestros, despojados de todo reconocimiento, muchas veces humillados, perseguidos, asesinados, pero siempre, manteniendo en alto su alegre rebeldía, afianzando su identidad y reafirmando su cultura ante la creciente invasión de Occidente.

He aquí una maravillosa compilación cortesía de la Comisión Nacional Para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas, que junta las expresiones musicales relativas a la festividad de Carnaval, de diversas comunidades y pueblos indígenas de México. Tzotziles, Mayas, Triquis, Tzeltales, Choles, Hñahñues, Nahuas, Purépechas, Totonacos, Chontales, Otomíes y Tepehuas, son algunas de las culturas indígenas que componen este álbum. Atrévete a explorar nuevas significaciones relacionadas con la música, dónde ésta, trasciende el sentido artístico y de entretenimiento para convertirse en un vehículo con lo sagrado, el rito que conecta las deidades con el mundano mundo del hombre. 

Además del álbum, se incluye un material escrito que describe y profundiza en las particularidades propias de cada tema, te sugiero le eches un ojo pues contiene interesante información, que contextualiza muy bien cada uno de los temas. Esto es apenas la puntita del ice-berg, una merecida entrega a la música mexicana ESENCIAL para todo melómano que se precie de ser... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

Pérez Prado - Voodoo Suite

A la par de los dos poemas de tono orquestal contenidos en este CD, hay una razón más para celebrar la ocasión. Grabados con siete años de intervalo, The Voodoo Suite y The Exotic Suite of Americas son considerados momentos definitivos en la larga carrera de Dámaso Pérez Prado como el Rey del Mambo. En The Voodoo Suite, con su orquesta más grande que la vida (seis saxofones, tres trombones, siete percusionistas, seis trompetas y mucho más) donde las influencias bailables latinas se mezclaban con el ritmo de las orquestas de jazz. Para todos aquellos críticos que han juzgado a Pérez Prado de manera peyorativa, The Voodoo Suite da algo para escuchar y reflexionar los juicios, ya que este es el primer intento popular que se empeña en mostrar ese matrimonio entre la música cubana con la africana, añadiéndole elementos jazzeros que jamás habían sido incluidos en trabajos anteriores. Los trotadores arreglos en los cuernos, solos blueseros e hipnóticas percusiones, te arrancarán fuera de ese humor sofisticado para colocarte dentro del campo de una big band jazz progresiva.

En la exótica Suite of the Americas, Pérez Prado toma una aproximación más contundente hacia una producción más cinemática dentro de sus posibilidades tonales. Recayendo profundamente en la textura de sus cuerdas y encontrando el sonido que acentúa la orquesta jazzera, en diversos objetos. Estos 16 minutos de puro éxtasis exótico te transportarán a una era distante y technicolorizada. Sin duda un álbum ESENCIAL.

En resumen, la primer parte del álbum está plagado de auténtico e increíble sentimiento, así como una verdadera vocación por el entretenimiento, el desarrollo y la exploración a través del jazz. Esta onda comienza con un hipnótico canto tribal, para luego pisar dentro de las percusiones ritualísticas y eventualmente finalizar en la más alocada mezcla Afro-Cubana. Si esto te suena un poco académico, olvida todo lo anterior mencionado. Este álbum swingea de principio a fin. La segunda parte es típicamente Pérez Prado: Swing durito y la locura Afro-Cubana de una enorme banda de mambo, cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero... AAAAAAHHHHAAAAAA!!!!.

Malik Yaqub - Yaqub Speaks

La información es difusa y críptica pero he aquí un poco de lo que pude encontrar. Nacido en Kansas, Malik Yaqub fue visto por última vez tocando su saxofón en las calles de Madrid, para sacar un cambio que le permitiera librar las premuras del día (después de ser reportado, fue deportado por vagancia). Pocos hoy en día indagan que, en algún punto, Yaqub fue considerado como uno de los mejores saxofonistas del mundo. Ya desde los 19 años, fue escogido como el sucesor de Charlie Parker, llegando a compartir escenario con monstruos de la talla de Bud Powell, Duke Jordan, Elmo Hope e inclusive el legendario Miles Davis. En los años 70, Yaqub pasó una temporada en la cárcel acusado de importar drogas ilegales a los E.U., sustancias que son usadas comúnmente en todas las culturas africanas, asiáticas y de los pueblos originarios de América. La defensa de Yaqub se basó en sus propias creencias religiosas, sin embargo la suprema corte gabacha, rechazó escuchar dichos argumentos. Después de un tiempo en prisión y tras cumplir su condena, Yaqub aceptó una oferta para vivir en España y convertirse en un renombrado profesor, aunque desafortunadamente desarrolló una enfermedad degenerativa que comprometió el movimiento de sus dedos.

Malik aparentemente nombró a su estilo de tocar, BeeBop Clandestino. ¿Alguna vez has escuchado algo semejante?. He aquí esta onda lejana de este extraordinario saxofonista. Las extensas notas lineales,  han sido ofrecidas en minuciosos detalles árabe-franco-chino-japonés, que aderezan esa parte de la historia que entorpece el regreso de Malik a los E.U. por numerosos viajes "religiosos". Realmente estoy enamorado de la sublime manera en la que se desenvuelve el organo en esta grabación, amaría sobremanera tener la oportunidad de escuchar el segundo volumen de esta saga. Así que si por ahí alguien lo tiene, móchese con la banda de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.

El Caos v.s. el Terror - RIO/Dagmar Krausse/Art Bears/Bertolt Brecht

He aquí la más reciente edición de tu Laboratorio de Arte y Cultura en Resistencia: El Caos v.s. el Terror, que esta de estrenón pues ahora se transmite todos los jueves de 17:00 a 19:00 hrs (MEX) por la frecuencia cibernética de RegeneracionRadio y por el 105.3 de tu F.M. en la Zona Norte de la Capirucha. Esta vez, la dupla Secken-elAle cotorreando un rato acerca del movimiento Rock In Opposition, la figura de Dagmar Krausse, su vínculo con la obra de Bertolt Brecht y la música de Cabaret de principios de siglo pasado. También escucharás un audio sobre el conflicto que atraviesa la Universidad Autónoma de la Ciudad de México con su rectora y los documentados actos de nepotismo al interior de esta casa de estudios... EDUCACIÓN PÚBLICA Y GRATUITA hoy y siempre. Igualmente las recomendaciones culturales para este fin de semana, buen humor y fritez asegurada. Regeneración Radio, comunicación contra el poder.

El Caos v.s. el Terror - RIO/Dagmar Krausse/Art Bears/Bertolt Brecht

Grupo Changüí de Guantánamo - Bongó de Monte

Como ya hacía falta una entrega dedicada a la música cubana, esta publicación va dedicada al abuelito del Son, la música Changüí. El presente álbum titulado Bongó de Monte, pertenece al paradigmático conjunto Changüí Guantánamo, que continuando con la tradición en esta agrupación creada en 1945 (por los músicos Rafael Inciarte y Reyes Latamblé) presenta este hermoso compendio de varias piezas de Changüí, esa muy bailada y popular música, prototipo sonoro más sincrético de la identidad cultural cubana, según el decir del musicólogo Odilio Urfé. Desde hace dos siglos este ritmo es la expresión músico-bailable preferida por el campesinado de la región que comprende a los municipios de Guantánamo, Baracoa, Yateras, El Salvador y Manuel Tames.

Entre las joyas del volumen discográfico figuran "Hay un no sé que", "Si me Quieres te Quiero", "Homenaje a Latamblet", "Tumba Bongó con las Palas", "El Diablo Wilson", "17 de Enero" y un Changüí dedicado a la populosa barriada La Loma del Chivo, donde transcurrió parte de la vida de Elió Revé, el creador del Charangón. El titulo del CD tiene su origen en ese instrumento empleado en el Changüí, el cual posee mayores dimensiones y produce notas más graves que el bongó utilizado en el Son Montuno. Ahora, tu blog de predilección pone al alcance de tus oídos, este antiguo género de la música cubana, del que partirían estilos tan populares subsecuentemente, como el Son y la Salsa... definitivamente una ricura que llega hasta ti... cortesía de tu blog de predilección: Al Loquero con el Disquero.